5 febbraio 2026
https://elplanteo.com/cine-y-marihuana-peliculas-para-fumar/
La piattaforma di streaming più popolare dell’America Latina ha risposto alla crescente domanda di contenuti sulla marijuana. Che sia per le sue implicazioni sociali, le curiosità scientifiche o la sua rilevanza per il mercato e la finanza, i documentari sul mondo della cannabis sono aumentati sia in quantità che in qualità negli ultimi anni.
Tralasciando le innumerevoli opere di finzione che toccano l’argomento, questi sono i documentari sulla marijuana disponibili su Netflix.
Forse alcuni sono eccessivamente semplicistici o hanno un’impostazione arbitraria, ma tutti propugnano la legalizzazione e affrontano la dimensione sociale del problema. Si tratta principalmente del rapporto diretto tra proibizionismo e segregazione delle minoranze.
Con sgomento di tutti, ma non per sorpresa di nessuno, questi film sono ancora, per la maggior parte, americani. Possiamo solo sperare che la diffusione di questi contenuti contribuisca ad accelerare il processo di destigmatizzazione e quindi a stimolare gli sforzi per la legalizzazione e la produzione di contenuti audiovisivi originali in America Latina.
The Grass is Greener (2019)
Cosa hanno in comune marijuana, razzismo e musica?
Nella storia degli Stati Uniti, e quindi nell’immaginario universale, molto.
Questo documentario originale Netflix smonta diversi pregiudizi instaurati dalla propaganda antidroga americana dall’inizio del secolo scorso.
Come spiega, la marijuana è stata una componente essenziale, una forza trainante e una musa ispiratrice per molti generi musicali nati nella comunità nera: jazz, rock and roll e hip hop.
A sua volta, la criminalizzazione della cannabis ha storicamente portato a un’intensificazione dell’emarginazione delle persone di colore. Pertanto, le persone razzializzate sono state (e continuano a essere) le principali vittime dell’apparato repressivo in una presunta “guerra alla droga” che ha consumato l’intera società, ma alcuni settori più di altri.
La legalizzazione della cannabis, quindi, è diventata un debito storico e uno strumento cruciale per raggiungere una società più egualitaria.
The Grass Is Greener offre un’analisi profonda e interessante della segregazione razziale e dell’inestimabile contributo della comunità afroamericana ad alcuni dei generi musicali più iconici d’America.
Weed The People (2018)
Un documentario che esplora a fondo i benefici della marijuana terapeutica, in particolare dell’olio di cannabis, nel trattamento del cancro infantile.
Il film, diretto da Abby Epstein, si concentra sulle difficoltà dei pazienti pediatrici e delle loro famiglie nell’ottenere e mantenere i trattamenti a base di cannabis. I miglioramenti ottenuti durante il trattamento sono notevoli.
Attraverso queste storie, Weed the People fa un ottimo lavoro nel denunciare il problema della collusione tra il governo degli Stati Uniti e l’industria farmaceutica.
Sebbene possa essere eccessivamente conclusivo su un argomento così delicato (e a volte rasenta il sensazionalismo), è molto istruttivo e offre rigorose informazioni scientifiche sugli usi medicinali della cannabis.
The Legend of 420 (2017)
Divertente e con il ritmo leggero e pacato di una buona sativa, The Legend of 420 è un viaggio attraverso le molteplici sfaccettature del fenomeno marijuana.
Il documentario svela le circostanze geopolitiche che hanno portato alla diffusione del consumo di cannabis nel mondo occidentale, culminando nella legalizzazione in California, e ripercorrendo la criminalizzazione delle popolazioni più vulnerabili a causa del proibizionismo. Affronta anche gli usi medicinali della pianta, gli artisti che la impiegano come parte del loro processo creativo e le numerose iniziative culinarie a base di cannabis che esistono oggi, il tutto intrecciato in una narrazione corale costruita a partire da interviste.
Informativo e molto coinvolgente, forse copre molti argomenti e non approfondisce abbastanza. Non offrirà molte nuove informazioni a chi ha già familiarità con l’argomento, ma è ideale per i principianti o per chi guarda ancora alla cannabis con apprensione o addirittura timore.
Rolling Papers (2015)
L’argomento è affascinante: gli albori del giornalismo sulla cannabis.
Il Denver Post è stato il primo grande quotidiano ad aggiungere un redattore specializzato in marijuana al suo staff. Il giornalismo sulla cannabis è emerso come una risposta necessaria alla cosiddetta “Green Rush” negli Stati Uniti durante la prima metà dell’ultimo decennio. Fu allora che la cannabis passò dall’essere considerata una droga marginale a gettare le basi per un mercato multimiliardario.
Cosa si diceva della cannabis quando divenne un argomento di interesse mainstream? Chi ne era il protagonista? Chi lo leggeva? Ricco di spunti illuminanti e momenti rivelatori, è un documentario divertente e molto interessante da guardare a posteriori, soprattutto ora che è stato guadagnato così tanto terreno in questo campo. Ideale per gli appassionati sia di cannabis che di giornalismo e comunicazione.
Murder Mountain (2018)
In un tono molto meno leggero dei precedenti, c’è Murder Mountain.
Incentrato sulla scomparsa di Garret Rodriguez nel 2013, questo documentario di sei episodi su un vero crimine rivela il lato nascosto della contea di Humboldt, in California. Ospita la più grande concentrazione di coltivazioni di marijuana dello stato, sia legali che illegali.
Sebbene il titolo e il filo conduttore del documentario possano suggerire una posizione confusa sulla cannabis, Murder Mountain sostiene la legalizzazione come mezzo per combattere il traffico di droga e la criminalità.
A livello sociale, l’importanza risiede nella distinzione tra fuorilegge e criminali. La maggior parte dei coltivatori era lì molto prima della legalizzazione, senza dare fastidio a nessuno, e non tutti hanno i mezzi, le risorse finanziarie o la fiducia nel governo per legalizzare le loro attività. Semplicemente erano fuori legge, ma questo non li rende criminali. Far sparire i propri dipendenti… questo sì.
Altri contenuti sulla cannabis
• Nel primo episodio di una serie in quattro parti, Breakfast, Lunch and Dinner, lo chef e conduttore televisivo coreano-americano Dave Chang si reca a Vancouver per scoprire i segreti della città con il nativo Seth Rogen. È un programma culinario e, sebbene la cannabis non sia il focus principale, è un tema ricorrente in tutta la puntata. Rogen fuma molta erba e lo sentiamo parlare del processo di legalizzazione nel suo paese, delle sue varietà preferite e, naturalmente, li vediamo condividere uno spinello e ridere a crepapelle.
• In un format da reality show, Cooking With Cannabis presenta una gara culinaria in cui gli chef devono creare i piatti più deliziosi utilizzando la marijuana nelle loro ricette.
• Nella prima stagione dell’acclamata serie Explained, prodotta dai creatori di Vox, l’episodio “Cannabis” spiega la storia scientifica della pianta di canapa in modo chiaro e accessibile. Gli usi nel tempo, le classificazioni e le modifiche artificiali per ottenere effetti sempre migliori man mano che il suo utilizzo si diffonde in tutto il mondo.
Cinema e marijuana: cinque film da fumare
4 Febbraio 2026
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Dite quello che volete: film e marijuana sono migliori amici. Quando si guarda un film, la cannabis aiuta a goderselo, a cogliere i dettagli e a immergersi nella trama in un modo che altrimenti sarebbe raramente possibile. E ci sono alcuni film in cui l’esperienza diventa quasi obbligatoria.
Questi non sono film sulla cannabis: ce ne sono già innumerevoli elenchi. Sono film di tutte le epoche che, per la loro narrazione, l’atmosfera, i temi o gli effetti visivi e sonori, sono particolarmente piacevoli con una canna in mano. Film che hanno la consistenza nebulosa, strana e divertente dell’effetto. Ecco un elenco completamente fantasioso dei miei consigli personali.
Mind Game (Masaaki Yuasa)
Forse per definizione, è il film d’animazione più psichedelico mai realizzato. Questo anime del 2004 è stato acclamato alla sua uscita come “il film che utilizza ogni tecnica di animazione esistente”, ma il suo fascino (e la sua magia) non sono semplicemente una questione di spettacolarità e risorse nella sua produzione.
Mind Game è profondo, filosofico e surreale, eppure profondamente radicato in emozioni umane facilmente riconoscibili. Nel film, un protagonista timido e introverso, un aspirante mangaka, ha l’opportunità di dimostrare eroismo per la prima volta nella sua vita di fronte al suo amore del liceo: da quel momento in poi, il tempo si distorce e la realtà si dispiega in un caos confuso di presente, passato, desiderio, immaginazione, realtà e metafora. Esattamente, fa ciò che promette il titolo: il film gioca con la mente, ma con assoluta onestà. Qualcuno può affermare che le complessità della mente umana abbiano tutte lo stesso colore e la stessa consistenza? E che la realtà sia l’unico piano su cui si dispiega l’esistenza? Mind Game è un viaggio che vale la pena intraprendere, sicuramente con dei bei fiori in mano.
Being John Malkovich (Spike Jonze)
Esordio cinematografico di Jonze e Charlie Kaufman (il celebre sceneggiatore di film sconvolgenti di Hollywood), Essere John Malkovich è già abbastanza famoso da essere un’esperienza visiva imperdibile quando si è sotto l’effetto di sostanze, e si è guadagnato questa reputazione.
Esilarante, surreale e strepitoso oltre ogni immaginazione, il film è una sorta di Alice nel Paese delle Meraviglie per adulti e pop, dove la tana del Bianconiglio conduce nientemeno che alla mente dell’attore John Malkovich (sì, interpreta se stesso).
Il protagonista è John Cusack, nei panni di un burattinaio frustrato che trova chiaramente in questa scoperta un contrappunto alla sua monotona esistenza, mentre si caccia in vari guai ed è diviso tra l’eccentrica moglie, Lotte (Cameron Diaz), e Maxine, una collega misteriosa e volitiva. Ma questa scoperta presto sfugge al controllo e sorgono molti conflitti di interesse riguardo a questo prezioso tunnel.
Uno dei pochi film che ha ricevuto l’approvazione unanime del pubblico mainstream, di quello indipendente e degli sballati. Un classico assolutamente imperdibile della fine dello scorso millennio.
The Thief and the Cobbler (Richard Williams)
Forse la sceneggiatura non è nemmeno la metà interessante del suo spettacolo visivo e della storia dietro la sua produzione. L’autore, in seguito noto come direttore dell’animazione di Roger Rabbit, ne iniziò la produzione nel 1964 con l’obiettivo di farne il suo capolavoro, un film d’animazione per bambini di qualità e stile senza precedenti. “Il ladro e il ciabattino” è il film d’animazione che ha richiesto più tempo per essere distribuito nella storia del cinema, con una produzione durata ben 31 anni.
Difficoltà finanziarie ne ritardarono l’uscita per tre decenni e nel 1990, quando fu firmato un contratto con la Warner Bros. e il successo di “Roger Rabbit” era destinato a far aumentare la popolarità del film in uscita, l’accordo fallì perché Williams non riuscì a completarlo, e la Disney distribuì “Aladdin”, con molte somiglianze nella trama, nell’estetica e soprattutto nel character design. Il progetto finì nelle mani di un altro produttore che lo rielaborò e aggiunse scene a piacimento per renderlo più commerciale, vanificando tutte le ambizioni e i sogni di Williams di 30 anni.
Tuttavia, la director’s cut, con gli storyboard per le sezioni incompiute e tutti gli squisiti dettagli originali, iniziò a circolare nei circoli di culto e furono avviati diversi progetti di restauro, riconoscendo l’incalcolabile valore del film nella storia dell’animazione e come riferimento chiave per gli animatori moderni. Ed è questa la versione da vedere.
Una storia semplice ambientata in un impero mediorientale dove i potenti sono corrotti e gli umili sono eroi fa da sfondo a un’esplosione di colori, ambientazioni alla Escher, uno spirito espressionista e una psichedelia pura e incontaminata. L’animazione interamente realizzata a mano, che impiega tecniche rivoluzionarie ancora oggi, genera un’illusione di movimento dettagliato e fluido, quasi lisergico. “Il ladro e il calzolaio” è un lavoro d’amore, un capolavoro d’animazione e un classico di culto. Oh, e presenta l’ultima apparizione cinematografica di Vincent Price prima della sua morte.
Hausu (Nobuhiko Obayashi)
Si potrebbero dire innumerevoli cose su Hausu. La più precisa è che è assolutamente indescrivibile. È un assurdo film horror giapponese in cui un gruppo di sei amici adolescenti in uniforme scolastica fa visita alla zia di uno di loro, solo per scoprire che la casa è infestata. E considerando che i primi 20 minuti non offrono alcuna preparazione a ciò che seguirà, qualsiasi ulteriore informazione sarebbe considerata uno spoiler.
Non è per tutti: è per gli sballati che amano il bizzarro, lo sconcertante, gli stimoli visivi, per chi ama guardare il cinema come un’esperienza antropologica, come una finestra sull’ignoto, su altre narrazioni e altre convenzioni di genere. Non ha senso guardarlo se non si ha uno spirito avventuroso e una grande curiosità. Perché psichedelico all’estremo, Hausu è una curiosità assoluta.
Hausu è ridicolo, è divertente, è sanguinoso, è sdolcinato, è colorato e ha effetti visivi che anticipavano l’estetica di Tumblr nel 1977. Ci sono momenti degni di Cris Morena (Chiquititas, Rebelde Way), ragazze decapitate e gatti che sparano laser dagli occhi. È impossibile trovare un film più strano.
Wild at Heart (David Lynch)
Uno dei film più lineari di David Lynch (il che non significa affatto convenzionale) e sicuramente il più romantico, questo bizzarro e appassionato road movie del 1990 non è solo un film fantastico da guardare sotto l’effetto di droghe, ma soprattutto da guardare sotto l’effetto di droghe e in coppia.
Ricco di parallelismi con Il mago di Oz, il film racconta la storia di Sailor (Nicolas Cage) e Lula (Laura Dern), una coppia profondamente innamorata che si riunisce e decide di fuggire insieme dopo che Sailor viene rilasciato dalla prigione. Ma la madre di Lula, allontanata da Sailor per sinistre ragioni che vengono rivelate nel corso del film, farà tutto il possibile per fermarli, creando situazioni assurde e cupe sul loro cammino.
Con una delle coppie più memorabili della storia del cinema, Cuore selvaggio è romantico, sensuale, altamente psichedelico e, naturalmente, anche dark. Presenta Willem Dafoe in quello che è forse il suo miglior ruolo da cattivo, il che è tutto dire. Ci sono canzoni di Elvis, ballate anni ’80, fate, streghe, colori sgargianti, e tutto è venato di un’esuberante ed edonistica esagerazione. Leggermente trascurato nel già controverso catalogo del regista, è uno dei suoi film più divertenti, calorosi e umani.